miércoles, 29 de junio de 2022
BASES DEL "XXI PREMIO DE POESÍA EMILIO ALARCOS" 2022
Premio “Emilio Alarcos” de Poesía en su vigesimoprimera
edición.
La Consejería de Cultura, Política
Llingüística y Turismo del Principado de Asturias convoca el XXI Premio Emilio
Alarcos de Poesía para obras originales y totalmente inéditas, no premiadas en
otros concursos, escritas en castellano y con una extensión mínima de
quinientos versos.
El Premio tendrá una dotación de SEIS MIL EUROS (6.000 €) que podrá repartirse
entre dos obras si el Jurado lo considera oportuno. Asimismo, podrá declararse
desierto si a juicio del Jurado la calidad de los textos que se presenten así
lo aconsejase.
La Consejería de Cultura, Política
Llingüística y Turismo se reserva el derecho
de publicar en exclusiva la primera edición del trabajo premiado, entendiendo
retribuidos con el premio los derechos de autoría para esa primera edición. La Consejería podrá
ceder los derechos de edición, reproducción, distribución, comunicación pública
y transformación, en cualquiera de las modalidades de explotación existentes y
conocidas de esa primera edición, sin que precise autorización por parte del
autor/a y sin que exista remuneración alguna al autor/a por dicha cesión.
En las ediciones que se pudiesen realizar en
el futuro, se hará constar que la obra ha sido premiada con el Premio Emilio
Alarcos de Poesía organizado por el Gobierno del Principado de Asturias.
La presente convocatoria se regirá por
las bases reguladoras aprobadas por Resolución de 23 de enero de 2015, de esta Consejería, sin perjuicio de la
normativa de aplicación en materia de subvenciones.
El premio será concedido de acuerdo con
los principios de objetividad, transparencia, igualdad, no discriminación y
publicidad, mediante el procedimiento de concurrencia competitiva.
La información sobre dicha convocatoria
se encuentra disponible en la Sede Electrónica de la página Web www.asturias.es. Accediendo a dicha Sede e introduciendo en el
buscador de cabecera “Premio Emilio Alarcos” se puede visualizar la información
completa, que, a continuación, se resume:
Las
obras se presentarán hasta
el día 9 de agosto de 2022
Las candidaturas se dirigirán a la
Consejería de Cultura, Política Llingüística y Turismo del Principado de
Asturias. Si se presenta la solicitud presencialmente, se hará en el Registro
General del Principado de Asturias, radicado en el Edificio Administrativo de
Servicios Múltiples y sito en la C/ Coronel Aranda, 2, Planta plaza, 33005, de
Oviedo. Si la solicitud se remite por correo postal, la dirección de envío será
la de la Dirección General de Cultura y Patrimonio del Principado de Asturias,
sita en la C/ Eduardo Herrera “Herrerita”, s/n, 2ª Planta, Sector Izquierdo,
33006, de Oviedo.
Se presentará un sobre cerrado donde se
escribirá: PREMIO EMILIO ALARCOS DE POESÍA 2022, haciendo constar el título de la obra y
el seudónimo del autor/a. Dentro del sobre deben incluirse dos sobres que
contendrán lo siguiente:
• El
SOBRE A: Datos del autor/a
(dirección, teléfono de contacto, email y un breve currículum).
• El SOBRE
B: La obra candidata que deberá ser presentada por cuadruplicado en papel y
en un soporte digital con el texto de la obra en formato PDF.
En caso de que la candidatura se remita
por correo, el sobre B habrá de ser presentado en sobre abierto para que la
solicitud sea fechada y sellada por personal de correos antes de que se proceda
a su certificación.
El Servicio de Acción Cultural de la Consejería
de Cultura, Política Lingüística y Turismo se encargará de la ordenación,
instrucción y resolución del procedimiento, resolución que será objeto de
notificación personal y de publicación en el Boletín Oficial del Principado de
Asturias.
lunes, 27 de junio de 2022
sábado, 25 de junio de 2022
LA REVISTA "MALABIA" (LITERATURA Y SOCIEDAD) SOLICITA COLABORACIONES
Plaza Malabia: Nueva publicación de
colaboraciones
Dirección: https://www.federiconogara.com
Poesía y Diseño: http://www.hrosales.com
martes, 21 de junio de 2022
SE PUBLICA "APUNTS DEL CARNER" DEL POETA VALENCIANO JOSEP MIR
EdictOràlia publica Apunts del carner, el último libro del poeta valenciano Josep Mir .
Apunts del carner son una selección de aforismos, diálogos, comentarios, versos… escritos durante los últimos dos años .
Apunts del carner es un «reconocimiento de la propia ignorancia, la de todos, escritura de la pasión por el conocimiento» .
Josep Mir afirma que su nuevo libro es fruto del «desficio de anotar un pensamiento y de refrenarle la inclinación a la disipación psíquica: anímica» .
Estos apunts del carner son, en palabras de su autor, el desficio de anotar un νόος, una mente, y de refrenarle la inclinación a la disipación psíquica: anímica. Poco más. O sí. Que puede que a veces «El monje negro», de Chéjov, le haga la gara-gara con capciosas tautologías: “—Piensa lo que quieras —dijo el monje, e hizo una sonrisa discreta—. Existo en tu imaginación, y tu imaginación forma parte de la naturaleza; por tanto, existo en la naturaleza. […] Amigo mío, las personas sanas y normales son únicamente los mediocres, gente del rebaño”.
Nacido en Mislata (l'Horta, País Valencià) en 1956, Josep Mir es un poeta indispensable de las letras valencianas contemporáneas.
«Aforismos, diálogos, apuntes gramaticales, comentarios, notas de lectura, etimologías, versos, reflexiones sobre el curso del río que se va y que permanece» es lo que encontrará el lector en apunts del carner, escribe el escritor Manel Rodríguez-Castelló en su prólogo. Encontramos «la indispensable polisemia que nos hace bailar sobre la cuerda floja de la literatura y que el conocimiento y la razón se encargarán de tensar a cada paso». El poeta de Alcoy afirma que «Este libro son los últimos hipomnemata, ya lo dice el epígrafe, de Josep Mir, es decir, cuadernos como los que elaboraban los griegos y que Michel Foucault estudió, donde se realiza la askesis, definida por el filósofo francés como un “entrenamiento de uno mismo por uno mismo” y donde la escritura es una práctica de meditación que tiene una función ethopoietica: transformar la verdad en ethos. En ellos, Josep Mir y su doble enunciador hablan de todo con la humildad de los más sabios y la contundencia desvergonzada de los más lúcidos. Son un entretenimiento con el que el poeta se juega la vida en cada palabra, y se entrega a la especial gimnasia de la escritura, resuelto por fin el dilema en la síntesis dialéctica de la lectoescritura».
Rodríguez-Castelló recomienda:
«Tómese el lector en serio todas las pistas que el autor va sembrando,
porque Josep Mir no habla nunca en vano sino por hablar. ¿Qué
es este libro divertidísimo y ya imprescindible, que el lector tiene entre
manos? Un reconocimiento de la propia ignorancia, la de todos, escritura de la
pasión por el conocimiento, auténtica jásena del edificio literario que está a
punto de abrir las puertas de un palacio donde vive la mirada orba de Tiresias,
tal vez porque lo más importante siempre es oculto a los ojos y solo puede ser
desvelado o atisbado por la luz afótica de la mente. Y como el tiempo no
existe, no podemos enunciar las causas ni los porqués, sólo elaborar los cómo.
No podremos determinar qué va a pasar porque el tiempo no existe, ya lo hemos
dicho, como no existía la formulación verbal del futuro en el griego antiguo».
"LA MUJER DE ALMODÓVAR" POR EL ESCRITOR ANÍBAL RICCI
Dolor y gloria (2019) no será la mejor obra del director manchego, pero fue una honesta vuelta de tuerca para un cineasta de 72 años y más de veinte películas al hombro. Retornó al tema de la madre, acaso por haberse criado en un mundo rodeado de mujeres. Son el centro de gravedad de muchos de sus filmes, seres que ocultan el amor por sus hijos bajo una apariencia estricta. Hay admiración por el mundo primigenio, por ese punto de partida de nuestras historias. Cuando la acción se encuadra en lo masculino, suele prevalecer la ausencia del padre, personaje secundario cuyo universo es articulado por la presencia omnipresente de lo femenino.
Para Almodóvar existen dos vertientes
para abordar el mundo materno. En la primera, el director muestra a la mujer
esforzada, preocupada por la educación de los hijos. ¿Qué he hecho yo para
merecer esto? (1984) es su primer guion de estructura elaborada. Gloria
subsiste a duras penas haciendo trabajos domésticos en casas ajenas. Reacciona
instintivamente ante la agresión intrafamiliar y ese evento involucra a la
policía. Tragedia de corte feminista donde Carmen Maura sostiene el relato (será
su primera actriz fetiche) y elude el suicidio gracias al amor filial. Carne
Trémula (1997) representa la primera colaboración de Penélope Cruz y esa
humilde madre dará a luz a bordo de un transporte público. En Volver
(2006), la actriz ocultará el crimen de la hija y su madre le confesará el
asesinato de su propio padre. El director recrea la violencia dentro del hogar,
el acoso sexual y la violación como temas que las mujeres afrontan con
entereza, revisten una gravedad que la justicia castiga con la cárcel, pero
Almodóvar sorprende al espectador y esconde estos asesinatos. Las mujeres no
son culpables del abuso al que son sometidas por la sociedad. El director da
variadas tonalidades a la violación, unas policiales, en otras ocasiones hace
una mixtura entre violencia y pasión como sucede en ¡Átame! (1989), pero
sin duda escandaliza y va muy lejos en Hable con ella (2002), exhibiendo
a la violación como un acto de amor perpetrado por un enfermero muy dulce que
se ha enamorado de su paciente. Es escaso el protagonismo masculino en el cine
del manchego y reincide cuando Antonio Banderas encarna a su alter ego en Dolor
y gloria, vuelve a articular la historia en torno a su madre, otra vez
Penélope Cruz, recuerda esos primeros años, el amor de su madre.
Todo sobre mi madre (1999) será el retrato del
dolor más profundo. Lo encarna una madre cuando su hijo pierde la vida siendo
un adolescente. Abandona su trabajo y se embarca en la tarea de encontrar al
padre. En el viaje se encontrará con los daños que ha infringido ese hombre en
mujeres del pasado y del futuro. Un hombre que se ha transformado en mujer,
pero a su paso ha plantado las miserias de un depredador. Externamente luce
atributos femeninos, pero carece de ese espíritu de sacrificio que enaltecen a
las mujeres de Almodóvar.
La segunda vertiente que aborda
Almodóvar es la mujer empoderada, la mujer española artífice de su destino,
frecuentemente sus hijos figurados provendrán del arte. Esa mujer será
fotógrafa, actriz o escritora, y sus hijos fotografías, roles protagónicos y libros.
A veces estas mujeres carecerán de hijos biológicos como en La flor de mi
secreto (1995), donde el director ha atenuado la temática sexual y
abandonado los ropajes del thriller. Hilvanará un personaje con muchos matices,
interpretado por Marisa Paredes (otra de sus musas). Sufre otro tipo de dolor debido
a que su marido ya no la ama. Escribe bajo seudónimo, curiosamente historias de
amor, ese amor no correspondido. Pero una nueva novela y el guion de una
película lograrán liberar sus emociones y se abrirá a la posibilidad de una
nueva conquista. Descubrirá que ella es el centro y un hombre no merece su
dolor. Marisa Paredes luce un abanico de colores que complementa con una gama
cambiante de estados de ánimo. Esta vez los decorados pasarán a segundo plano,
será esta mujer el vehículo para volcar emociones en el espectador. Para
Almodóvar la mujer representa la liberación, el goce de su feminidad, el
despertar de la España post franquista.
Víctor Plaza (Carne trémula, 1997)
nace en el Madrid de Franco y ya en democracia, irrumpirá en casa ajena y será
inculpado de secuestro e intento de homicidio. Trasfondo policial en cuyas
aguas el director se mueve como un pez. Un policía queda en silla de ruedas y su
esposa (la secuestrada del inicio) se convertirá en madre luego de cumplida esa
condena en la cárcel. La historia tiene que ver con la inversión de roles, los
que parecen criminales no lo son tanto como los que están libres. Melodrama de
giros violentos, enmarcado en una estructura de novela negra. La secuestrada y
el amante (Víctor Plaza) tendrán el hijo que el policía parapléjico no pudo
darle. Pese a las numerosas escenas de sexo, muy bien ejecutadas y que aportan
pasión al relato, se trata de una cinta moralista donde habrá sucesos trágicos,
aunque el director hará prevalecer el bien sobre el mal. El mundo policíaco
representa la opresión que se vivía en tiempos del dictador, pero Almodóvar
brinda un final esperanzador: Madrid ya no es lugar para gestar vidas aciagas
de futuros inciertos.
Carne trémula es una historia complicada
de secuestros, balas predestinadas, condenas injustas, pero una vez que la
verdad ilumina, esa secuestrada decide a quien amar y engendra un hijo en un
país libre. Otra historia mucho menos política surgirá cuando la madre
empoderada personifica a una actriz (Tacones lejanos, 1991), un ser
desalmado y ególatra que el público aclama. Una mujer exuberante, alta, retorna
triunfante a Madrid, mientras su hija de menor estatura conduce un matutino
donde lee noticias que le ocurren a otros. Esa madre nunca le cumplió sus
promesas y privilegió la carrera sobre los escenarios. Cuando la hija confiesa un
crimen en pantalla, ella pasa a ser la protagonista de la historia y desplaza a
su madre, escena genial de un director inspirado. El asesinado es el marido, ex
amante de su madre, una competencia insana llevada al extremo. El complejo de
inferioridad tiene su espejo opuesto en la madre. El retrato de culpa que
ofrece Marisa Paredes se irá profundizando a medida que el director envuelve
este relato de madre e hija en otro entresijo policial. Esa madre no puede
actuar como un hombre desalmado, es madre a fin y al cabo, y en su lecho de
muerte exculpa a la hija del crimen.
Cómo todo filme de Almodóvar, este
último depara aristas retorcidas: la hija hace el amor con un transformista que
imita a su madre. Por transitividad, la hija tiene relaciones con la madre, que
a su vez fue amante del marido de la hija. Melodrama que da cuenta de cómo la
madre ha opacado a su hija y mediante ese acto sexual se apodera de su alma.
Retorcido, pero en realidad hay un hombre representando a una mujer. Ese hombre
travestido será el juez que dirige la causa criminal. Los límites son confusos,
¿detenta más poder un hombre o una mujer? y el accionar judicial es
representado por un hombre que encarna a una mujer, dejando entrever que la
justicia no debiera distinguir géneros. Esto expresa las complejidades de las historias
de Almodóvar, los intercambios de roles, las simbologías y ese envoltorio de
cine noir.
Dolor y gloria (2019) es un homenaje al amor
de su madre, pero inconscientemente es también una alegoría de su faceta femenina
como creador de ficciones. Gestor de montajes vigorosos, fundados sobre guiones
fuera de lo común, mezcla de relatos policiacos con tópicos controversiales, no
rehuyendo la homosexualidad e imponiendo puntos de vista rupturistas.
Antonio Banderas (ese alter ego que
lo acompañó desde sus inicios) personifica a Salvador, representando a Pedro
Almodóvar más allá de sus excesos, aquel que muestra el motor que lo motiva a
enfrentar el mundo. En varios pasajes recuerda que el cine lo rescató de las
profundidades. Este nuevo personaje carga con el dolor de la vejez, en una
encrucijada en que los años lo enfrentan a su soledad. Las películas son hijos
y por ello este director sigue forjando una extensa filmografía. Escribir
guiones y rodarlos le permite transmutar sus historias de infancia y juventud.
Almodóvar en esta película confiesa que sus hijos lo han ido dejando atrás, que
los espectadores somos los únicos capaces de atestiguar su andar por la vida. Desde
su soledad sigue regalando historias, la manera en que este ser humano puede
prodigar amor.
sábado, 18 de junio de 2022
jueves, 16 de junio de 2022
miércoles, 8 de junio de 2022
martes, 7 de junio de 2022
lunes, 6 de junio de 2022
sábado, 4 de junio de 2022
"CON VALLEJO" POEMA INÉDITO DE ANDRÉS MORALES
De todas las calles de
Madrid
sólo una alumbró esta noche:
Gran Vía del Horror o
Avenida del Silencio.
En una esquina rota mis
pupilas estallaban.
Así, los heraldos negros
nuevamente cabalgando
susurraron en mi oído la
muerte convenida:
-En Madrid, sin aguacero,
en Madrid y sin palabra.
viernes, 3 de junio de 2022
"LA SOLEDAD DEL CORREDOR DE FONDO" CRÍTICA DE CINE POR EL ESCRITOR CHILENO ANÍBAL RICCI
LA SOLEDAD
DEL CORREDOR DE FONDO (1962)
Dirigida por Tony Richardson
Esta película posee un guion formidable, con
fuentes de inspiración innegables y sigue dando que hablar en estos días.
«Jerusalem» es un himno inglés, originado en los
versos de la epopeya «Milton» (1804), escrita por el poeta William Blake.
No cesaré en mi lucha mental
Ni dormirá mi espada en mi mano,
Mientras una nueva Jerusalén no hayamos construido
En la verde y placentera Inglaterra.
Son estas estrofas las que cantan los alumnos
del reformatorio a mitad del metraje, con ímpetu y determinación, para dar fin
a un tedioso acto organizado por su director. Esas palabras representan el
deseo de construir un mundo nuevo para Inglaterra. Es un himno que los alumnos entonan
en la capilla, por medio del cual refuerzan su sentido de pertenencia a algo
mayor (para el director, será el espíritu de las Olimpiadas).
El protagonista del film es un joven de quince
años que le cuenta a su novia que desde niño le gustaba perderse de sus padres,
perderse en el sentido de alcanzar la libertad, pero le confiesa que eso es
imposible. Hijo de una familia obrera, ha sobrevivido a la traumática muerte del
padre, quedando bajo el cuidado de una madre al que sólo le importa el dinero.
A Colin Smith no le queda otra que robar una panadería y termina recluido en el
reformatorio Ruxton Towers, donde imparten una educación represiva a punta de
castigos físicos.
La estadía en el reformatorio está hábilmente matizada
por precisos flash-backs, de duración perfecta y muy bien ensamblados por el
montaje. Colin es un chico rudo, muy delgado, que a poco andar entra en el
radar del director por sus cualidades atléticas. No exterioriza emociones ante sus
compañeros, pero su mundo interior es recreado por estos raccontos, mostrando
su experiencia ante la muerte, el sexo y la vida delictual que han dejado
profundas huellas de dolor y desarraigo. La única salida a la pobreza y
desestructuración familiar será la transgresión de las normas que rigen a los
habitantes de Nottingham.
La película muestra la realidad de los
infractores de los años sesenta y su posterior ingreso a correccionales. Hay
sentimientos de rebeldía ante los inadecuados métodos de educación. Colin
representa a estos muchachos incomprendidos y encuentra en las carreras de
fondo una forma de huir de todo aquello. El director lo deja entrenar en
solitario para que pueda vencer a los alumnos de una escuela privada. El
muchacho aprovecha su privilegiado estado físico y le hace creer al director
que lucha por ganarse su respeto dentro del reformatorio, pero lo que en
realidad busca es una compensación frente a lo que la sociedad le ha negado. La
falta de afecto lo persigue desde el entorno familiar a la correccional y
radica en la injusticia que representa la educación que ahí se imparte.
El mensaje de inconformismo frente a una
sociedad llena de carencias persiste hasta nuestros días, razón por la que la
cinta mantiene su frescura intacta frente al espectador del nuevo siglo. Siguen
existiendo los niños en riesgo social en tránsito a convertirse en delincuentes
dentro de esas instituciones.
El grupo británico Iron Maiden (de excelentes
líricas) homenajea a este film con un título homónimo.
Corre sobre escalones, atravesando
campos
Da vuelta para mirar quién te pisa los talones
El camino atrás del campo
La línea está cerca
Pero si quieres la gloria
Alcanza el tramo final
Los ideales son sólo huellas
Sientes que has desperdiciado la carrera.
Y es que Colin Smith lidera la carrera, pero
al final se rebela contra el egoísmo del director y la utilización vil para
elevar su propia vanidad. Colin se planta a metros del final y le da el paso a
su perseguidor. Su rostro luce triunfante, transgresor ante un mundo injusto,
en ningún caso ha desperdiciado su carrera.
La metáfora del corredor solitario está
magníficamente lograda, por su cabeza viajan miedos y penurias, siempre corriendo
y alejado del resto, apartándose del rebaño que sólo sabe seguir órdenes.
Los últimos flash-backs son breves destellos
inconexos que dan un nuevo sentido a los raccontos iniciales y hacia el final
del metraje regresan los versos triunfales del himno de William Blake.
Este film implicó la eclosión del «Free
Cinema» en el Reino Unido, movimiento paralelo (aunque de menor duración) a la
«Nouvelle Vague» de Francia, que a su vez fue una respuesta al «Neorrealismo
Italiano». Estos movimientos congregaron a un puñado de directores a realizar un
cine de autor, principalmente rodado en exteriores, persiguiendo la libertad de
la existencia humana, utilizando novedosos movimientos de cámara y
privilegiando el montaje para obtener mayor verosimilitud en las imágenes.
Se intuye la influencia de Los 400 golpes
(1959) de François Truffaut, tanto en la temática como en la
búsqueda inclaudicable de la libertad a través de imágenes liberadoras. Se
refleja en ese chico castrado por el sistema de educación imperante,
rígido y autoritario, que lo castigará escribiendo cuatrocientas veces «ofendo
a los muros de la clase».
Cero en conducta (1933) es la fuente de inspiración de ambas
cintas. Jean Vigo (su director) dota a su historia de imágenes verdaderamente liberadoras:
la guerra de almohadas, la toma del techo, los juegos de sombras. Se burla del
principio de autoridad mostrando a cuatro niños enarbolando banderas de lucha
ante las injusticias acaecidas al interior de un internado. Refugio del
espíritu infantil, libre de las normas que castigan a los alumnos con un cero
en conducta.
Las tres películas son un deleite a los
sentidos y demostración de que el cine ha sabido desplegarse, a través de las
épocas, como un vehículo de crítica social.
miércoles, 1 de junio de 2022
PRÓXIMAMENTE EN MÉXICO (OXEDA, 2022) REEDICIÓN DEL LIBRO DE POEMAS "POR ÍNSULAS EXTRAÑAS" DEL ESCRITOR CHILENO ANDRÉS MORALES CON MOTIVO DEL 40 ANIVERSARIO DE LA PRIMERA EDICIÓN DEL VOLUMEN (ED. UNIVERSITARIA, SANTIAGO DE CHILE, 1982)
"POR ÍNSULAS EXTRAÑAS"
poema del libro homónimo de Andrés Morales
Por ínsulas extrañas
una paloma descansa
sus huesos derramados.
Del hierro muerto nace
la piel desencajada;
del hierro, dientes huecos
acechan en la puerta.
Por siglos negra y seca
la sangre nos espera,
la reja demolida,
la casa negra y seca.
Del agua resbalando
la muerte nos señala,
nos hiere, nos enciende.
Por mármoles, ciudades,
el ojo no se cierra:
miramos los espejos.
Del sueño caminamos
al sueño bostezando
y en trenes y estaciones
perdemos la nostalgia.
Por huesos la paloma
levanta las tormentas,
por brazos las extiende:
Del círculo de fuego
llegamos al desierto,
vendimos las antorchas,
clavamos las campanas.
Por últimos caminos
se doblan los planetas:
Por ínsulas extrañas
descansan las palomas
mordiendo sus heridas.
Las águilas del odio.
FESTIVAL DE FILOSOFÍA EN VALENCIA (26 DE MAYO AL 4 DE JUNIO DE 2022)
Con motivo de la celebración del Festival de Filosofía de Valencia #Avivament 2022, organizamos junto a la Biblioteca Pública y València Pensa la siguiente actividad.
02 de junio 2022, 18h. En la Bibioteca Pública Pilar Faus.
Mesa redonda.
A pie de página, de Fernando Castro y Leer mata de Luna Miguel, modera Ernesto Castro. Ed. La Caja Books 2022.Con la presencia de los autores y la presentación a cargo de Romà Seguí, Director de la Bibioteca Pública Pilar Faus.
Entrada libre y gratuita hasta completar aforo.
Sobre los libros:
A pie de página. Leer es vagar por el desierto. Seguir las huellas que las palabras de otros se han marcado en la arena para encontrar a la intemperie aquello que ni se sabía que se buscaba. Fernando Castro Flórez desanda en este libro el itinerario de sus lecturas. Regresa a la biblioteca pública de Plasencia y a su obsesión infantil por copiar las entradas de la Enciclopedia Espasa-Calpe. A los libros de Marx y Nietzsche forrados con papel de periódico que hojeaba a escondidas. Al descubrimiento de la cita y de la nota a pie como rastro del placer de lo estudiado o la celebración de la lectura en familia. A pie de página es un ensayo en el que se funden humor, erudición y memoria. El elogio a una forma de lectura y escritura que toma por maestros a Borges, Maurice Blanchot, Rilke u Octavio Paz y que busca hacer visibles los enigmas y las preguntas más que las respuestas.
Leer mata. Leer hiere como una daga o una flecha que entra en el corazón. Los libros son peligrosos si se leen con la intensidad a la que se vive y la protagonista de este ensayo lo hace de manera voraz, hasta la extenuación. Sin método ni técnica. Incluso lo que no entiende.
En estas páginas la autora se desdobla en una multitud de lectoras. Sus nombres –Bulímica, Enfermiza, Sumisa, Somática y Amorosa– narran la búsqueda de una identidad que cobra voz y cuerpo a través de los libros, el amor, la amistad y el sexo. Una odisea que transita de la muerte al deseo de saberlo y comprenderlo todo.
Leer mata es un ensayo narrativo, erudito y subyugante con el que Luna Miguel hunde el filo de su escritura bajo la piel, allí mismo donde se borran las fronteras entre la ficción y la memoria, la imaginación y la carne.
Sobre los autores:
Luna Miguel (Alcalá de Henares, 1990) trabaja como editora en Barcelona. Desde los diecinueve años ha publicado siete libros de poemas, entre los que destacan Los estómagos (La Bella Varsovia, 2015) y Poesía masculina (La Bella Varsovia, 2021). También es autora de la novela El funeral de Lolita (Lumen, 2018); de los ensayos El coloquio de las perras (Capitán Swing, 2019), Caliente (Lumen, 2021) y Leer mata (La Caja Books, 2022); y del monólogo teatral Ternura y derrota.
Fernando Castro Flórez (Plasencia, 1964) es profesor titular de Estética de la Universidad Autónoma de Madrid. Comisario de exposiciones de artistas como Miró, Picasso, Dalí, Cragg, David Nash, Nacho Criado, Warhol, Francis Bacon, Imi Knoebel, Julian Opie, Fernando Sinaga, Anselm Kiefer o Bernardí Roig. Ha escrito libros como Elogio de la pereza. Notas para una estética del cansancio (1992), El texto íntimo. Kafka, Rilke, Pessoa (1993), Contra el bienalismo (2012), Mierda y catástrofe. Síndromes culturales del arte contemporáneo (2014), Estética a golpe de like (2016), Estética de la crueldad (2019), Filosofía tuitera y estética columnista (2019) o Cuidado y peligro de sí
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